音乐节市场“去泡沫”,退潮后什么样的IP能立足?
作者｜豆芽
经过一段时间的野蛮扩张后，音乐节市场进入了深度洗牌期。
一方面，自2023年市场热度到达顶峰后，市场规模开始逐步收缩。根据中国演出行业协会数据，2025年5000人以上大型营业演出0.30万场。且从2024年开始，5000人以上的大型演出中，演唱会的占比逐步提升，音乐节有回落之势。
另一方面，“次抛”音乐节批量退场，行业呈现分化的状态。头部IP凭借强阵容、沉浸式体验吸引了大量观众，品牌效应凸显，例如由行业资深主办方推出的草莓音乐节、泡泡岛音乐与艺术节，大平台主导的微博大眼音乐节、抖音汽水音乐节；中腰部音乐节则更多落在二三线及以下的城市，不拼阵容、核心是做足体验，吸引当地的观众。
随着地方政府补贴断供、赞助方撤资、门票收入入不敷出，一些主办方资历不详、粗放的低质量音乐节正在被市场“清退”，今年上半年就有多场音乐节延期/取消，例如仙人掌音乐节、春谣音乐节等。
这些信号说明观众对音乐节的阵容、内容、体验有了更高要求，开始倒逼行业优胜劣汰。
主办方的准入门槛也越来越高，不仅需要有演出行业的基本功，在内容、审美、资源上有积累，还需要强抗风险能力。去年开始，音乐节行业的主办方结构开始发生变化，一些想赚快钱的资方逐步退场，沉淀出了摩登天空、创娱无届等实力派，同时也吸引了诸多大平台，包括微博、QQ音乐、抖音、B站。
这种背景下，到底什么样的音乐节才能“叫座又叫好”？主办方如何才能打造出品质和热度兼具的内容？
观察当前音乐节市场，最显著的弊病就是同质化严重。“阵容完全是复制粘贴，感觉要审美疲劳了”，有网友吐槽。
深究背后的原因，很大程度上是因为主办方一味地以“带票力”来筛选艺人，反复用经过市场验证过的“安全牌”，导致部分艺人频繁登上多场音乐节；“带票力”又导致热门艺人出场费水涨船高，当艺人费用占到项目预算的一半以上时，主办方的其他内容、体验只能打折扣。
另外，行业爆发期吸引了大量外行跨界入局，其中很多新主办方并没有内容研发能力，而是直接打安全牌，照搬“头部摇滚+说唱+流量”的爆款阵容，导致阵容配比和曲目都高度重合。
因此能否做出差异化，是当下音乐节IP的核心竞争力。
阵容是差异化的关键要素，需要主办方基于IP调性、核心用户选择适配的艺人，保证现场体验的统一性。
市面上有记忆点的音乐节IP，背后均有清晰的选人思路和差异化价值。例如摇滚编年史超级演唱会四十年记忆聚集了大半个摇滚圈的“老炮儿”，实现了1+1大于2的情怀效果；大眼音乐节的阵容有明确的“年轻”基因，依托平台的艺人资源和数据洞察，聚集了周深，以及张峻豪、石凯、R.E.D等众多潜力音乐人，满足粉丝“近距离接触偶像”的需求；汽水音乐节则是抖音原生音乐人为主力，将热门BGM、热歌搬上舞台。
IP差异化的第二个要素，则是在确定阵容的基础上，挖掘稀缺的表演内容，通过跨界舞台合作、新歌首发、新编曲呈现等方式，打造独一无二的现场记忆。
例如大眼音乐节上，余宇涵首唱新歌《如果是我》，袁一琦首次与乐队合作，周深60分钟演唱高于音乐节单人的“行规”时长；泡泡岛音乐与艺术节上，尚雯婕带来限定企划「异类」𝐒𝐏𝐄𝐂𝐈𝐀𝐋 𝐒𝐄𝐓，用14首曲目、四层叙事，打造暗黑美学幻境；即便是世界顶级音乐节IP科切拉，仍需要打造稀缺舞台表演，Justin Bieber隐退四年后登上今年科切拉C位、以极简随性的舞台贡献了多个刷屏名场面。
综合来看，好的音乐节内容，需要从艺人、曲目、编排、互动等多维度下功夫。即考验内容能力，又要有其他IP难以复制的独家资源优势。越是跳出标准化、流程化的安排，越能挖掘出独特内容，越有机会塑造高影响力的音乐节IP。
除了内容本身，更深一层看，成功的音乐节已经不局限于音乐演出，而是成为融合艺术、社交、现场体验等元素的复合消费场景。这种“音乐+”的模式，真正激活了音乐节的商业价值，链接了更多人群和产业，也碰撞出了更难以取代的用户体验。
此前泡泡岛音乐与艺术节就打开了国内音乐节市场“音乐+艺术”的模式，在音乐节现场内置了艺术节，打造了丰富的艺术展和艺术装置，吸引了很多音乐节之外的艺术类受众。
今年五一期间，落地天津的泡泡岛音乐与艺术节，台上是风格鲜明的音乐人肆意挥洒，台下则是个性凸显的艺术空间，主办方联合艺奇客团队打造了跨界矛盾美学装置BUZZ机甲巡游车、招财猫-大辟邪；OPEN LOOP展区聚集多位即兴艺术家，可以随时抓拍氛围感神图；现场还有涂鸦墙，观众也能随时化身野生艺术家……
微博大眼音乐节则根植微博平台的社交基因，是唯一将星粉社交融入音乐节运营的IP，将音乐节现场从单向观演变成大型共创，吸引了大量非传统音乐节受众的泛娱乐人群。
演出前2个月，微博上就发起各种互动玩法，例如通过#饭撒自助餐#决定偶像的现场饭撒，在#一起放风吧#决定线下道旗排面。这一过程中，乐迷、粉丝得以和音乐节IP一同“玩起来”，大量趣味共创强化了社交参与感、也拉长了IP的运营周期和长尾效应。
这种不显于形的“社交属性”真正落地其实很难，大眼音乐节是借助平台成熟的星粉生态与社区产品，才撬动了粉丝们的积极参与。
一是明星和粉丝们本就经常在微博发布大量相关内容、互动，有娱乐内容的深度消费习惯，音乐节相关话题的参与度向来较高。同时，以超话为代表的粉丝社区构建了一个个垂类兴趣圈层，成为同担粉丝们交流喜好、分享应援物、饭拍的活跃场域。
平台的宣发资源也提升了粉丝群体的荣誉感与艺人影响力。现场舞台、新歌、或者高传唱度的经典作品，都有可能通过热点话题、热搜等渠道触达更多线上用户，实现破圈。
如果说“音乐+”确保了体验的上限，那做足现场基建、备好应急预案便为下限兜底。
随着音乐节市场扩容，加之户外项目的不确定性，不少新矛盾出现，市面上大多数音乐节都因此被用户诟病。
例如，同一主办方落地不同城市的音乐节，也会因为流程、管控差异导致体验参差不齐——这也解释了为何越来越多音乐节IP开始主动”下沉”，选择文旅政策更友好的二三线城市。
此外，不同观众对音乐节的体验需求也大相径庭，有些人喜欢蹦起来、有些人更愿意松弛躺一躺，这也可能导致体验感受影响；音乐节还可能面临暴雨、高温、大风等极端天气的挑战……
虽然很多问题存在不可预见性，但对于主办方而言，仍有大量可以前置提升的确定性工作，根据以往经验、地域环境多考虑一步，例如优化场地选择、夯实现场基建、准备好雨衣、做好舞台保障，最大化做好应急预案。
从“音乐+”复合体验到现场体感，这些综合素质也已经成为行业的核心竞争力，决定了音乐节IP能否实现目标用户认可，养成核心的厂牌受众。
综合来看，当前的音乐节已经形成了“优胜劣汰”的行业基准，优质IP也获得了来自用户侧的共识。
大量乐迷不止关注地区、阵容，还会追随音乐节IP后的核心主办方，对其产生更强的口碑信任和厂牌依赖。
“这几年音乐节背后的主办方变动很快。前两年很多新玩家下场，包括音乐经纪公司、版权公司等泛音乐行业从业者，品牌、平台等资金实力较强的玩家，还有很多想赚快钱的不知名资方。现在潮水退去，还能在今年做下去的，基本都是用户认可度高、扎扎实实做内容和体验的”，某音乐节从业者表示。
剁椒观察发现，如今沉淀下来、被市场认可的主办方，主要是两类：一是摩登天空这类在行业深耕多年，已经打出成熟音乐节IP和品牌效应的老玩家，这类主办方不仅有艺人资源、懂内容、有经验，还通过多年的持续运营 ，积累了一批忠实粉丝，无论在招商侧、服务侧还是内容端，都养成了较强护城河，并通过品牌效应源源不断吸引外围新观众。
另一类，则是近两年势头猛涨，诸如微博、抖音等具备“音乐”基因和大型演出、线下活动落地经验的平台型主办，这类玩家的优势显而易见，规模大、资金强、拥有强线上宣发资源和完整的生态优势，也具备和地方政府深度沟通的能力。在音乐节这类体验型项目中，他们不仅能加大投入，拉足性价比，也具备更强的抗风险能力。
值得关注的是，厂牌沉淀过程中，行业的专业化分工也在深化。为了进一步强化用户体验，提升长板项，大量已经具备用户认知的主办方也“精益求精”，尝试以联合出品的方式整合多方资源、与合作方共同打造一场规模和体验更上一层楼的优质演出。例如此前QQ音乐联动雅晨天艺共同呈现了Z纪元巅峰音乐节，大眼音乐节也由微博与奇遇海MUSIC联合出品。
这种模式的优势十分显著：收益共享、风险共摊、形成复合竞争力。当然，这也意味着主办方要谨慎选择合作伙伴，合作方一旦掉链子将会造成体验的割裂。因此，一方面，要严格审核合作方的硬性资质，确保具备相关许可、营业执照，并针对合作方以往的案例质量、有无违规等做背景调查。
另一方面，还需按照“资源互补”原则，结合自身能力点，筛选内容合作方、属地合作方、落地执行方、品牌合作方等不同类型的伙伴，形成错位互补，确保双方都能发挥各自核心优势，真正为观众带来无可替代的观看体验。
综合来看，音乐节行业正在经历一场深度变革。当市场热度退潮、同质化拼盘的快消式音乐节批量退场，真正玩家的较量才刚刚开始。内容差异化、体验沉浸感和厂牌价值的深度竞争，将是下一阶段的主旋律。
唯有精准锚定核心用户，在阵容调性、稀缺内容、复合场景和现场基建上系统发力，才能跳出内卷，构建真正的护城河。
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